Lost in Translation

Ce samedi, même musée, mais nouvelle exposition.

A l’opposée de Modigliani la semaine dernière, je suis cette fois allé voir une exposition dédiée à l’œuvre de Emily Kame Kngwarreye. Je dis opposé parce que cette native aborigène australienne a vécu toute sa vie (ou presque) au sein de sa communauté, retirée dans le désert et qu’elle n’a commencé sa carrière de peintre qu’à l’âge de 80 ans. Jusqu’alors elle participait à la vie de sa communauté en confectionnant notamment nombres de batiks. Mais elle s’est progressivement tournée vers la peinture et a fait évoluer les techniques et le style pictural aborigène vers une forme d’art abstrait.

Au cours des 10 dernières années de sa vie elle a réalisé plus de 3000 tableaux, toujours peints au sol (donc dépourvus de sens de lecture) et pouvant mesurer jusqu’à 3 mètres sur 18. D’abord focalisée sur une représentation pointilliste, elle a fait évoluer sa technique au cours des années pour passer par les lignes et les grandes plages de couleurs. Son seul et unique sujet d’inspiration est toujours la nature, le désert australien et passage des saisons.

A travers les tableaux exposés, la grande variété de formes et de couleurs employées, j’ai été impressionné par la formidable énergie de cette femme octogénaire dont l’imagination semble être sans limites.

Cette fois encore nombre de panneaux explicatifs en anglais m’ont permis de profiter pleinement de cette exposition, même si certaines interprétations des tableaux me laissent toujours aussi perplexe. Est ce moi qui manque d’ouverture d’esprit ou de fibre artistique. Ça me rappelle ces cours de français de lycée où le professeur vous explique au travers d’une longue litanie tout ce que le poète a sous-entendu et suggéré au travers de son texte. Je me suis toujours demandé si le poète avait passé autant de temps à composer ses vers que nous en mettions à les déchiffrer.

Le tour des musées continue, comme chaque weekend.

Cette fois, exposition dédiée à Modigliani et son fameux « primitivisme« . L’exposition est hébergée par le prestigieux et très design Tokyo National Art Center. Promis une prochaine fois sans pluie je prendrais des photos. L’exposition retraçait donc le parcours artistique du célèbre peintre (et sculpteur à ses débuts) depuis ses débuts hésitants jusqu’à la mise en place de son style unique, malheureusement interrompu par sa mort prématurée. Pour une fois, et c’est assez rare pour être soulignés, les panneaux explicatifs étaient aussi traduits en français, ce qui m’a permis de comprendre un peu mieux le cheminement artistique, ses influences, etc… Au final beaucoup d’œuvres exposées, mais pas toutes du plus haut intérêt, mais très bien organisées. Quand aux œuvres elles-mêmes, je dirais que je n’ai pas été très sensible à ce choix artistique influencé par les arts primitifs.

J’ai quand même pris un T-shirt a l’effigie de l’exposition arborant un croquis de cariatide et la phrase clé de l’artiste « Ce que je cherche, ce n’est pas le réel, par l’irréel non plus mais l’Inconscient, le mystère de l’instinctivité de la race ».

Ce samedi, temps de … , idéal pour aller au musée. En plus je n’ai toujours pas de connexion internet, le déménagement ça sera plutôt pour le weekend prochain.

Je suis donc aller voir une exposition d’un artiste français, encore, Pierre-Joseph Redouté, « le Michelange des fleurs« . L’exposition présentait l’ensemble des 169 tableaux de roses qu’il a peint entre 1817 et 1924. L’exposition s’intitulait l’espace rose et portait bien son nom. Outre les tableaux, ou plutôt les planches des multiples espèces de roses, on avait droit à des murs roses, des rideaux translucides roses, des sièges en satin roses et des diffuseurs de fragrance de roses. J’aime bien le rose, mais là ça frôlait l’overdose. Comme toujours les japonais regardent les tableaux à la queue-le-le ce qui ne laisse que deux options : suivre la file qui avance au rythme lancinant d’un mètre par minute ou butiner d’un tableau à l’autre en bousculant délicatement les bourgeoises pomponnées en causette devant tel ou tel tableau.

Comme je l’ai dit avant les dits tableaux étaient plus proches des planches détaillées de botanique que des tableaux d’art, laissant peu de place à l’imagination, conséquence aussi de l’emploi de la technique de gravure sur cuivre . Par contre, plus évocateurs pour moi, les quelques planches de roses d’Alfred Parsons avec une utilisation des couleurs très saisissante.